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Edición 135 - Tema Central Entrevista Lucrecia Piedrahita |
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Catherine Márquez M., Óscar Tabares P. Reporteros NEXOS |
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Nexos: ¿Qué te hizo estudiar museología e historia del Arte? Lucrecia Piedrahita: Desde pequeño uno visualiza lo que quiere ser. Estuve muy en contacto con el arte, y por el colegio (La Enseñanza) y por una profesora que tuve, estuve muy cerca de las artes plásticas. Pensaba que en un futuro me veía como una gestora cultural importante y una escritora de arte. Visitaba mucho los museos y pensé que debía irme a la ciudad que es un museo y que me ofrece más alternativas, y así fue como llegó Florencia. N: ¿Qué relación estableces entre los medios (televisión y radio) y el Arte? L.P.: Estoy muy contenta en la dirección de Canal U, llego a el después de tener tres años de experiencia en televisión, primero como directora, curadora y presentadora de Tríptico, un programa que pasó por Teleantioquia y Canal U, y luego me gané la franja cultural de Señal Colombia para producir una serie de Arte Colombiano. Yo me encargaba de todo, de dirigir, presentar, curar, investigar, todo lo que hay detrás de un programa de televisión. Fue viajar a distintas ciudades, empezar desde las culturas prehispánicas hasta hoy; fue una serie muy bien calificada. Me apasionan los medios de comunicación porque si queremos aprender a ver, educar la retina de la gente le tenemos que mostrar el buen arte, los medios de comunicación son perfectos. Luego se hizo Estéticas en Transito, junto con el programa de radio de la Bolivariana donde hablo de arte y cultura y después hice una deriva de una investigación de Artes Plásticas en Antioquia que la lidera el IDEA, donde se hizo la serie Iconos. Por primera vez, se podrá ver la historia de las artes en Antioquia en televisión. En dos meses estará al aire. N: ¿Cómo nace el concepto de museo? L.P.: Antes de hablar de museo tenemos que hablar de coleccionismo, lo que se considera como la primera colección van a ser las tumbas de los faraones (rarezas botánicas, las piezas que lo acompañaron a él en vida) entonces uno podría decir que ahí esta esa primera idea de coleccionismo. Obviamente todo lo que esta en relación al arte Egipcio tenía un carácter privado. El museo va a aparecer como tal, en Grecia. Se conoce con el nombre de museion y eran los espacios que estaban dedicados a las musas. Allí se albergaban colecciones de carácter público. Es cuando la gente pudo acceder a conocer la historia a través de los objetos. Luego vendrá Roma, en las villas romanas se albergaban grandes colecciones y durante unos días al año el público podía tener acceso a ellas. Se construyen galerías, arcos del triunfo y con el foro romano serán espacios para la educación del público, para contar la gloria de los emperadores. Uno de los grandes aportes de los escultores fue la conjugación del arte urbano, el ciudadano y el espacio publico. Después vendrá el Medioevo donde las grandes colecciones estarán bajo el mando de la Iglesia, que se exhibían en días específicos del año haciendo referencia al día de un santo en especial. La gente es evangelizada a través del arte. Luego tenemos el museo moderno que viene desde El Renacimiento ya que allí se definen las características principales de uso del espacio. Los estudioli1 , los talleres de los príncipes, donde se guardaban los objetos más raros, exóticos, los botines de las conquistas. Será el jardín de San Marcos en Florencia, el modelo de museo donde las colecciones clásicas (Grecia, Roma, Egipto) pudieron ser utilizadas por Leonardo da Vinci, Miguel Ángel Buonarroti, Boticelli quienes estudiaron directamente sobre las obras. Allí se concentra igualmente la mayor cantidad de libros donde se podía tener acceso al préstamo de libros. A partir del siglo XVII y XVIII podemos hablar del museo moderno por excelencia donde se da la clasificación de las artes con una división de las muestras: museo de la porcelana, museo del tejido, museo de la pintura, de la escultura, y donde se da una disposición museográfica de los objetos. El mejor ejemplo de esta época lo encontramos en Austria que fue el lugar donde se desarrollo toda esta taxonomía. Igualmente tenemos los museos vaticanos con sus grandes espacios para albergar las colecciones que requirieron una disposición para su comprensión en el tiempo y en el espacio. Un paso fundamental se dio con las grandes exposiciones internacionales. El caso del Crystal Palace, en Londres, donde el número de visitantes superó en más de cinco veces al esperado, llevó a diseñar por parte de los museógrafos nuevos espacios, con lugares de descanso, de alimentación. Papel importantísimo desempeño la escuela de los italianos, Carlo Escarpa, Albini que hacen una lectura del museo clásico implementando elementos contemporáneos como la fachada que se pueden ver en el Palacio Rojo, el Palacio Blanco en Génova Italia, el Museo de Arte Moderno en Nueva York, el Museo Británico, que le dan un carácter más joven, en el color de las paredes, el recorrido, en descansos, en elementos que seduzcan al espectador cuya finalidad ultima es que el museo este en consonancia con la ciudad, ya no se concibe un museo de puertas cerradas sino un espacio que propone investigaciones serias, está en contacto con la agente, en un dialogo constante. N : ¿Cuál es la diferencia entre Museología y Museografía? L.P: La Museología es la disciplina que desde una perspectiva histórica hace una presentación y desarrollo de la historia del arte, de las formas de los museos, de cómo las colecciones le llegan a la gente, de establecer una relación viva entre la muestra artística y el público. El Museógrafo, dispone los objetos en el espacio, monta la exposición, diseña los recorridos. N: ¿Cómo se articulan la administración y las artes en la museologia? L.P.: El museólogo debe tener conocimiento de ambas disci-plinas. Tener un conocimiento profundo de la historia del arte y saber administrar un museo (iluminación, climatización), pero tam-bién tener bases de la administración clásica como tal, gestionar recursos, presentar proyectos. Es hacer del museo un espacio vivo dentro de la ciudad. N: ¿Cuál es la diferencia entre un museógrafo y un curador? L.P.: Ambos trabajan con el espacio, con la narrativa de la exposición. El curador tiene un trabajo más intelectual. Es el responsable de una muestra, selecciona un artista y obra, la lleva a un espacio museográfico, escribe el catálogo, establece estrategias para hacer la muestra más activa, a través de seminarios, conferencias, visitas guiadas. N: ¿Cuál ha sido su relación con el Museo de Antioquia? L.P.: Mi relación es pasional. Asumí la dirección del Museo más importante de la ciudad, siendo muy joven, cuando regresé de Florencia. Fue un momento muy intenso por la organización de las colecciones, su conservación y restauración, trabajo con público y grandes exposiciones. Fue devolver el glamour del museo, también recibí la intención de donación de Fernado Botero. También, hacer del museo un espacio vivo. Ahora como productora de programas culturales, el Museo me sigue brindando un espacio de creación. Ha sido muy grato verlo crecer y madurar para todos los públicos de la ciudad. N : ¿Como fue su experiencia en Florencia? L.P.: Es fundamental para un historiador del arte conocer Florencia: es una ciudad a escala humana, el centro histórico se recorre a pie, es un espacio museológico y museográfico. Visitar el estudiolo de Miguel Ángel, la casa de Dante. Tener acceso a la galería de los Uffizi, con la mayor colección de arte del renacimiento. Encontrarse con gente linda, de buen gusto, es una ciudad de turistas, estar en contacto con las nuevas tendencias de la moda, es ante todo una ciudad viva. Estar en una Universidad cuyo fundador, Carlo Raggianti, que le dio un vuelco total a la lectura de la historia del arte, tener profesores como Rolando Bellini, Umberto Baldini y Ornela Casarza, grandes restauradores y críticos de arte. Tener compañeros de todas las partes del mundo. Entender ahí que en nuestro medio hay mucho talento, hay mucho trabajo por hacer y que mi papel estaba aquí, como promotora de entidades culturales. N: ¿Qué se puede considerar como arte en la actualidad? ¿Qué se debe conservar, estar en un museo? L.P.: El arte contemporáneo toca muchas disciplinas, formatos, géneros, Hoy hablamos de arte en relación a la moda, el diseño, la corporalidad, como nos relacionamos. Cualquiera de estas manifestaciones artísticas son validas para estar en un museo. Ya no podemos pensar lo que decía Octavio Paz acerca de los museos que eran espacios sagrados y que allí estaba “la eternidad refrigerada”, sino que un museo tiene que estar en relacion con la gente con los jóvenes, con la gente, algo vivo. El arte va más allá de la pintura. Los nuevos formatos, el video arte, el experimental, la performance, deben estar en el museo porque son producciones culturales, son las formas en que nos contamos. N: ¿Cómo se conserva el arte efímero? L.P.: A través del video y la fotografía. Son la forma de conservar una memoria de las obras presentadas. Lo que queda es el registro de estas manifestaciones. N: ¿Cómo ha sido la relación en la ciudad entre el espacio público y las obras de arte? L.P.: Durante mucho tiempo existió el acuerdo del consejo municipal, que estipulaba que todo edificio nuevo tuviese una escultura en su acceso o en las zonas comunes. Este acuerdo se cayó por motivos políticos, se usaba para la evasión de impuestos. Con respecto a las esculturas dio pie para grandes obras, interesantes, pero también se coló mucha obra mala, obras que son como floreros, que no le dicen nada al espectador. En cuanto al arte urbano, quedaron obras muy importantes de Hugo Zapata (Ágora de EAFIT), Luis Fernando Peláez, Ronny Vayda (Propileos de EAFIT), Germán Botero. El Parque de las Esculturas en el Cerro Nutibara que compila obras de artistas nacionales y extranjeros es igualmente un momento significativo. Con la Nueva Bienal de Medellín se logro revitalizar diferentes espacios de la ciudad. Se interactuó con la ciudadanía, conocieron al artista, cual era su obra. Este ejercicio dejó más de quince obras, como La Poda de Bernardo Salcedo (los Balsos con el Tesoro), la obra Signo para Medellín de Otto Hajek, Formas y Figuras de Francisco Matto. Entonces si hay un trabajo interesante, pero tristemente el arte público se cruza con prácticas políticas que van a distorsionar su sentido. N: ¿Cómo llega una mola o un sombrero vueltiado a ser parte de un museo? L.P.: Son fundamentales porque está hablando de una narrativa de la historia de un país. La mola y el sombrero significan para nosotros la lectura de las culturas indígenas y costeñas, su nivel de abstracción, el manejo finísimo del material, el manejo del color (que es el trópico), y ahí hay una historia de una etnia muy importante. Esos elementos los pensamos como componentes identitarios de la cultura y por este motivo son importantes para un museo. N: ¿Cuál es la apropiación de las obras artísticas públicas en Medellín? L.P.: Se ha hecho camino y falta muchísimo, el ejemplo más claro es el de la obra de Ronny Vayda (La puerta de la ciudad en el Parque San Antonio, la que hubo elevar por haberse convertido en un orinal), no hay un conocimiento, no se puede de hablar de un respeto porque un público ambulante debe vivir la obra, tocarla, que se vuelva un elemento dinamizador de ese espacio ya que no es un elemento sagrado e intocable. Debe haber una educación cultural y visual. Esa tarea hay que hacerla, los esfuerzos han sido insuficientes porque no hay una política y educación clara y constante sobre la cultura a nivel estatal. Más que respeto, lo que hay que reforzar es el sentido de patrimonio, ya que las obras con el tiempo adquieren nuevas lecturas y se conservará para otras generaciones.  Lucrecia Piedrahita. Museóloga e historiadora de arte de la Universidad Internacional de Arte, Florencia, Italia. Curadora del Salón Regional de Artistas. Es asesora cultural de la Secretaría de Educación y Cultura de Medellín. Ha sido directora y curadora del Museo de Antioquia. Actualmente se desempeña como Directora del Canal U. 1. Los estudioli eran, durante el Renacimiento, bibliotecas, o gabinetes de experimentación; a veces se configuraban como pequeños aposentos dónde sólo entraba su amo, otros eran grandes talleres concebidos como espacio de reunión y diálogo de artistas y científicos. Olga Ligia Pidrahita Orrego comentó: Conoci a Lucrecia Piedrahita cuando apenas ella tenia 18 años, para aquel entonces su primer viaje al extramjero fue a una ciudad que queda en Venezuela llamada Barquisimeto. Vino con la Coral "Tomas Luis de Victoria" Era una niña que cantaba, estudiaba musica y piano. Lo mas bello que tenia era su humildad y su inocencia. Pero cambio despues de su viaje a Florencia hoy dia es una prepopente que olvida el pasado y la gente que un dia le hizo soñar con la posible, frente al mar en las playas de Venezuela. Le gusta la fama, que la admiren y sentirse una sabelotodo. Es triste. Su arte es tan sintetico como un parque disney, su esencia se perdio. Y sobre este articulo es puro bla bla que no le llega a la gente comun, que es alli donde esta el verdadero arte. No en la pose que hoy asume. El desprecio nunca se olvida, podras recorrer el mundo pero aun no sabes lo que es el arte. ADRIANA ECHEVERRI comentó: QUE BUENO QUE EN ESTE PAIS EXISTAN PERSONAS QUE AMAN LA CULTURA Y EL ARTE, QUE LO VIVAN, LO SIENTAN, LO RESPIREN, LO HABLEN...COMO LUCRECIA PIEDRAHITA, SIENTO ENVIDIA DE TODO LO QUE SABE ESTA MUJER, A PESAR DE SER TAN JOVEN TIENE UN BAGAJE EN CUANTO CULTURA SE REFIERE ENORME. DEFINITIVAMENTE NECESITAMOS MUCHAS LUCRECIAS PIEDRAHITA EN ESTE PAIS, PARA SEGUIR LUCHANDO POR EL RECONOCIMIENTO DE NUESTRO PUBLO MEDIANTE LA CULTURA EGO SUM comentó: Con gran asombro leo las palabras de Olga Ligia y no quisiese pensar que aquella imagen de Tánagra encantadora tiene fría el alma y el corazón de metal, sería una lástima saber que tanta belleza hecha inteligencia, haya perdido las senda de la humildad; de ser así, perdiste aquel estudio en la tierra de Botticelli, Giotto, Rafael, Donatello y demás. Josefina Jimenez comentó: Considero que el comentario ralizado por Olga Ligia Piedrahita Orrego, no corresponde a ella, me imagino que debe ser una persona cobarde pues se escuda bajo un nombre que no es el suyo, considero este tipo de comentarios ajenos totalmente a lo que corresponde la entrevista y se evidencia que es una total analfabeta en lo que al Arte se refiere. Simplemente parece uan persona algo frustrada que hace daños a las personmas existosas. considero que deberian bloquear estos comentarios destructivos, ya que no le agregan valor al tema tratado. a lo mejor busca publicidad simplemente es un bufon o bufona. Josefina Jimenez comentó: Considero que el comentario ralizado por Olga Ligia Piedrahita Orrego, no corresponde a ella, me imagino que debe ser una persona cobarde pues se escuda bajo un nombre que no es el suyo, considero este tipo de comentarios ajenos totalmente a lo que corresponde la entrevista y se evidencia que es una total analfabeta en lo que al Arte se refiere. Simplemente parece uan persona algo frustrada que hace daños a las personmas existosas. considero que deberian bloquear estos comentarios destructivos, ya que no le agregan valor al tema tratado. a lo mejor busca publicidad simplemente es un bufon o bufona. |
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